{"id":347,"date":"2024-06-24T16:27:08","date_gmt":"2024-06-24T14:27:08","guid":{"rendered":"https:\/\/valeryparis.com\/?p=347"},"modified":"2024-06-24T16:27:52","modified_gmt":"2024-06-24T14:27:52","slug":"19-la-diversite-dans-la-vision-leurope-catholique-premiere-moitie-du-xviieme-siecle","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/valeryparis.com\/index.php\/2024\/06\/24\/19-la-diversite-dans-la-vision-leurope-catholique-premiere-moitie-du-xviieme-siecle\/","title":{"rendered":"19 La diversit\u00e9 dans la vision : l\u2019Europe catholique, premi\u00e8re moiti\u00e9 du XVII\u00e8me si\u00e8cle"},"content":{"rendered":"\n

Source : The Story of Art \u2013 Gombrich, E.H<\/em><\/p>\n\n\n\n

Sous sa forme la plus simple, l\u2019histoire de l\u2019art est l\u2019histoire de la succession des styles<\/strong>. A l\u2019art roman du XII\u00e8me si\u00e8cle et son arc en plein cintre a succ\u00e9d\u00e9 l\u2019arc bris\u00e9 gothique, lui m\u00eame supplant\u00e9 par l\u2019art de la Renaissance. On nomme baroque le style qui succ\u00e9da \u00e0 celui de la Renaissance<\/strong>. Mais contrairement aux autres \u00e9volutions, il n\u2019est pas facile de le distinguer : \u00e0 partir de la Renaissance, les architectes se sont constamment servis des m\u00eames \u00e9l\u00e9ments essentiels, issues de l\u2019architecture antique : colonnes, pilastres, corniches, entablements et moulures.\u00a0<\/p>\n\n\n\n

Les noms tels \u00ab\u00a0gothiques\u00a0\u00bb ou \u00ab\u00a0baroques\u00a0\u00bb ont \u00e9t\u00e9 donn\u00e9s \u00e0 l\u2019origine de mani\u00e8re p\u00e9jorative<\/strong>. Baroque signifie absurde ou grotesque<\/strong> et a \u00e9t\u00e9 employ\u00e9 par des gens qui estimaient que les \u00e9l\u00e9ments de la construction antique n\u2019auraient jamais du \u00eatre employ\u00e9s ou combin\u00e9s autrement que ne l\u2019avaient fait les grecs ou les romains. Il est quasiment impossible pour nous de saisir de telles id\u00e9es car nous sommes habitu\u00e9s \u00e0 voir des centaines d\u2019imitations de ce genre d\u2019\u00e9difices antiques m\u00ealant diff\u00e9rents \u00e9l\u00e9ments d\u2019architecture antique.\u00a0<\/p>\n\n\n\n

Le baroque a notamment introduit les courbes, les volutes<\/strong>, qui \u00e9taient ignor\u00e9es de l\u2019architecture antique.<\/p>\n\n\n\n

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Giacomo della Porta – L’\u00e9glise d’Il Gesu, Rome (1575-1577)<\/em><\/strong><\/figcaption><\/figure>\n<\/figure>\n\n\n\n
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La peinture sortit de l\u2019impasse ou la conduisaient les maitres du mani\u00e9risme<\/strong>, notamment en suivant l\u2019exemple de Tintoret<\/strong> ou de Greco<\/strong> : l\u2019accent mis sur le r\u00f4le de la lumi\u00e8re et de la couleur, l\u2019abandon d\u2019une trop stricte sym\u00e9trie dans la composition au profit d\u2019agencements plus complexes. Les discussions artistiques \u00e9taient \u00e0 la mode, surtout \u00e0 Rome, alors le centre du monde civilis\u00e9<\/strong>, pour tirer la peinture de l\u2019aventure p\u00e9rilleuse dans laquelle elle \u00e9tait engag\u00e9e avec le mani\u00e9risme.\u00a0<\/p>\n\n\n\n

On parlait surtout de deux peintres<\/strong>, dont les principes \u00e9taient radicalement oppos\u00e9s : Carracci <\/strong>(1560-1609), qui voulut retrouver quelque chose du g\u00e9nie de Rapha\u00ebl et du culte de la beaut\u00e9 classique<\/strong>, et Caravage<\/strong> (1565-1610), qui ne reculait pas devant la laideur mais glorifiait la v\u00e9rit\u00e9,<\/strong> telle qu\u2019il la voyait : il n\u2019avait aucun respect pour la beaut\u00e9 id\u00e9ale, il voulait se lib\u00e9rer de la convention et reprendre \u00e0 la base tout le probl\u00e8me de la peinture. C\u2019est l\u2019un des premiers peintres que l\u2019on a accus\u00e9 de chercher \u00e0 \u00e9tonner<\/strong>. Par la suite, presque tous les mouvements modernes se sont heurt\u00e9s \u00e0 cette critique. Caravage a interpr\u00e9t\u00e9 les sc\u00e8ne bibliques avec son r\u00e9alisme, son naturalisme<\/strong>, et avec un traitement nouveau de la lumi\u00e8re et de l\u2019ombre : sa lumi\u00e8re est brutale et en violent contraste<\/strong> avec les ombres profondes, au lieu de faciliter l\u2019harmonie.\u00a0<\/p>\n\n\n\n

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Annibale Carracci – Domine, quo vadis ? (1601)<\/em><\/strong><\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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Caravage – La Mise au tombeau (1602)<\/em><\/strong><\/figcaption><\/figure>\n<\/figure>\n\n\n\n
<\/div>\n\n\n\n

Ainsi \u00e0 cette \u00e9poque affluaient \u00e0 Rome tous le jeunes artistes pour \u00e9tudier, avant de se revendiquer d\u2019une \u00e9cole ou d\u2019une autre. Ainsi Guido Reni<\/strong> s\u2019est rattach\u00e9 \u00e0 l\u2019\u00e9cole de Carracci<\/strong> et a cherch\u00e9 \u00e0 rivaliser avec les oeuvres du maitre Rapha\u00ebl<\/strong>. Si son jugement l\u2019avait port\u00e9 vers Caravage<\/strong>, il aurait sans doute tout aussi bien adopt\u00e9 ce style oppos\u00e9. L\u2019esprit des peintres comme Guido Reni<\/strong> \u00e9tait alors empli de ces questions th\u00e9oriques<\/strong> : l\u2019art \u00e9tait arriv\u00e9 \u00e0 un point ou les artistes \u00e9taient forc\u00e9ment conscients du choix qui s\u2019offrait \u00e0 eux entre plusieurs m\u00e9thodes<\/strong>. Ainsi Guido Reni<\/strong>, Carracci<\/strong> et leurs disciples codifi\u00e8rent l\u2019art d\u2019id\u00e9aliser, d\u2019embellir la nature en s\u2019appuyant sur les canons de la sculpture antique : c\u2019est l\u2019art n\u00e9oclassique, ou acad\u00e9mique, l\u2019opposant \u00e0 l\u2019art classique qui lui ne fut pas con\u00e7u par la vertu de r\u00e8gles imp\u00e9ratives<\/strong>.<\/p>\n\n\n\n

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Guido Reni – L’Aurora (1614)<\/em><\/strong><\/figcaption><\/figure>\n<\/figure>\n\n\n\n
<\/div>\n\n\n\n

Le plus grand maitre de ce mouvement fut Nicolas Poussin<\/strong> (1594-1665) qui repr\u00e9senta la beaut\u00e9 antique toute de dignit\u00e9 et d\u2019innocence. Ainsi des paysages nostalgiques de Claude Lorrain<\/strong> (1600-1682) repr\u00e9sentant la campagne romaine et sa lumi\u00e8re m\u00e9diterran\u00e9enne<\/strong> t\u00e9moignant des vestiges grandioses de son glorieux pass\u00e9. Dans sa composition, Lorrain<\/strong> ne retenait que les motifs qui lui paraissaient digne de prendre place dans ses visions ou le pass\u00e9 apparait comme en r\u00eave.\u00a0<\/p>\n\n\n\n

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Nicolas Poussin – Les Bergers d’Arcadie (1638)<\/em><\/strong><\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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Claude Lorrain – Paysage avec le p\u00e8re de Psych\u00e9 sacrifiant au temple d’Apollon (1663)<\/em><\/strong><\/figcaption><\/figure>\n<\/figure>\n\n\n\n
<\/div>\n\n\n\n

Pierre-Paul Rubens<\/strong> (1577-1640) a aussi s\u00e9journ\u00e9 \u00e0 Rome, mais ne s\u2019est attach\u00e9 \u00e0 aucune \u00e9cole, appr\u00e9ciant \u00e0 la fois Carracci et Caravage ; il est rest\u00e9 un vrai flamand<\/strong> qui se pr\u00e9occupait moins des conceptions italiennes du canon de la beaut\u00e9 mais bien davantage de l\u2019expression<\/strong> par tous les moyens possibles d\u2019une \u00e9toffe ou d\u2019un corps, le plus fid\u00e8lement possible \u00e0 ce qu\u2019il voyait. Rubens<\/strong> apporta toutefois d\u2019Italie le gout des grandes toiles<\/strong> quand ses pr\u00e9d\u00e9cesseurs avaient peints des tableaux de petite dimension : et ce go\u00fbt r\u00e9pondait aux ambitions des riches bourgeois et princes de son pays. Le g\u00e9nie de Rubens \u00e9tait son coup de pinceau : il avait l\u2019art quasi magique de donner la vie \u00e0 son tableau. Rubens comptait sur les ressources expressives de la touche<\/strong> : ses dessins sont ex\u00e9cut\u00e9s par des moyens picturaux leur donnant l\u2019illusion de la vie. Rubens connut de son vivant une exceptionnelle situation,<\/strong> voyageant d\u2019une cour \u00e0 l\u2019autre en grand seigneur, se voyant confier des missions diplomatiques et politiques. Son succ\u00e8s se fonda sur ce double don d\u2019inventer de grandes compositions ais\u00e9es et color\u00e9es, et de leur insuffler une vie d\u00e9bordante. Pour appr\u00e9cier l\u2019oeuvre de Rubens, il faut comprendre qu\u2019il n\u2019avait que faire des formes id\u00e9ales et de la beaut\u00e9 antique<\/strong>, ses personnages sont des \u00eatres vivants tels qu\u2019il les voyait et tels qu\u2019il les aimait. Sa notori\u00e9t\u00e9 attira pr\u00e8s de lui de nombreux artistes, dont Van Dyck<\/strong> qui peignit magnifiquement la soci\u00e9t\u00e9 aristocratique. Accabl\u00e9s de demandes de portraits, ils dessinaient une esquisse, laissaient leurs collaborateurs peindre en taille r\u00e9elle, puis retouchaient et donnaient de la vie au tableau en quelques coup de pinceaux magiques<\/strong>.<\/p>\n\n\n\n

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Pierre-Paul Rubens – Autoportrait (1639)<\/em><\/strong><\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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Anton van Dyck – Charles Ier d’A<\/em><\/strong>ngleterre (1635)<\/strong><\/em><\/figcaption><\/figure>\n<\/figure>\n\n\n\n
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Diego Velasquez<\/strong> (1599-1660), l\u2019un des plus grands peintres espagnols, avait lui assimil\u00e9 la doctrine naturaliste de Caravage qu\u2019il admirait, et mettait son art au service d\u2019une observation de la nature libre de tout pr\u00e9jug\u00e9<\/strong>, de toute vision conventionnelle. Velasquez<\/strong> peignit essentiellement des portraits du roi d\u2019Espagne Philippe IV et des membres de la famille royale. La beaut\u00e9 et la v\u00e9racit\u00e9 des oeuvres de Velasquez reposent sur l\u2019effet de la touche et l\u2019harmonie d\u00e9licate des couleurs. Il faut voir le portrait du Pape Innocent X au palais Doria Pamphili de Rome pour comprendre. En quelques touches, il arrive \u00e0 faire paraitre des mati\u00e8res avec un d\u00e9tail et un aspect incomparable<\/strong>. C\u2019est pour des effets de cet ordre que les peintres impressionnistes admiraient Velasquez<\/strong> plus que tout autre maitre ancien.\u00a0<\/p>\n\n\n\n

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Diego Velasquez – Le Marchand d’eau de S\u00e9ville (1619)<\/em><\/strong><\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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Diego Velasquez – Le Pape Innocent X (1649)<\/em><\/strong><\/figcaption><\/figure>\n<\/figure>\n\n\n\n
<\/div>\n\n\n\n

Voir et observer la nature d\u2019un regard neuf, se plaire \u00e0 y d\u00e9couvrir sans cesse de nouvelles harmonies de couleur et de lumi\u00e8re \u00e9taient d\u00e9sormais la t\u00e2che essentielle du peintre.<\/p>\n\n\n\n

Source : The Story of Art \u2013 Gombrich, E.H<\/em><\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

Source : The Story of Art \u2013 Gombrich, E.H Sous sa forme la plus simple, l\u2019histoire de l\u2019art est l\u2019histoire de la succession des styles. A l\u2019art roman du XII\u00e8me si\u00e8cle et son arc en plein cintre a succ\u00e9d\u00e9 l\u2019arc bris\u00e9 gothique, lui m\u00eame supplant\u00e9 par l\u2019art de la Renaissance. On nomme baroque le style qui succ\u00e9da \u00e0 celui de la Renaissance. Mais contrairement aux autres \u00e9volutions, il n\u2019est pas facile de le distinguer : \u00e0 partir de la Renaissance, les architectes se sont constamment servis des m\u00eames \u00e9l\u00e9ments essentiels, issues de l\u2019architecture antique : colonnes, pilastres, corniches, entablements et moulures.\u00a0 Les noms tels \u00ab\u00a0gothiques\u00a0\u00bb ou \u00ab\u00a0baroques\u00a0\u00bb ont \u00e9t\u00e9 donn\u00e9s \u00e0 l\u2019origine de mani\u00e8re p\u00e9jorative. Baroque signifie absurde ou grotesque et a \u00e9t\u00e9 employ\u00e9 par des gens qui estimaient que les \u00e9l\u00e9ments de la construction antique n\u2019auraient jamais du \u00eatre employ\u00e9s ou combin\u00e9s autrement que ne l\u2019avaient fait les grecs ou les romains. Il est quasiment impossible pour nous de saisir de telles id\u00e9es car nous sommes habitu\u00e9s \u00e0 voir des centaines d\u2019imitations de ce genre d\u2019\u00e9difices antiques m\u00ealant diff\u00e9rents \u00e9l\u00e9ments d\u2019architecture antique.\u00a0 Le baroque a notamment introduit les courbes, les volutes, qui \u00e9taient ignor\u00e9es de l\u2019architecture antique. La peinture sortit de l\u2019impasse ou la conduisaient les maitres du mani\u00e9risme, notamment en suivant l\u2019exemple de Tintoret ou de Greco : l\u2019accent mis sur le r\u00f4le de la lumi\u00e8re et de la couleur, l\u2019abandon d\u2019une trop stricte sym\u00e9trie dans la composition au profit d\u2019agencements plus complexes. Les discussions artistiques \u00e9taient \u00e0 la mode, surtout \u00e0 Rome, alors le centre du monde civilis\u00e9, pour tirer la peinture de l\u2019aventure p\u00e9rilleuse dans laquelle elle \u00e9tait engag\u00e9e avec le mani\u00e9risme.\u00a0 On parlait surtout de deux peintres, dont les principes \u00e9taient radicalement oppos\u00e9s : Carracci (1560-1609), qui voulut retrouver quelque chose du g\u00e9nie de Rapha\u00ebl et du culte de la beaut\u00e9 classique, et Caravage (1565-1610), qui ne reculait pas devant la laideur mais glorifiait la v\u00e9rit\u00e9, telle qu\u2019il la voyait : il n\u2019avait aucun respect pour la beaut\u00e9 id\u00e9ale, il voulait se lib\u00e9rer de la convention et reprendre \u00e0 la base tout le probl\u00e8me de la peinture. C\u2019est l\u2019un des premiers peintres que l\u2019on a accus\u00e9 de chercher \u00e0 \u00e9tonner. Par la suite, presque tous les mouvements modernes se sont heurt\u00e9s \u00e0 cette critique. Caravage a interpr\u00e9t\u00e9 les sc\u00e8ne bibliques avec son r\u00e9alisme, son naturalisme, et avec un traitement nouveau de la lumi\u00e8re et de l\u2019ombre : sa lumi\u00e8re est brutale et en violent contraste avec les ombres profondes, au lieu de faciliter l\u2019harmonie.\u00a0 Ainsi \u00e0 cette \u00e9poque affluaient \u00e0 Rome tous le jeunes artistes pour \u00e9tudier, avant de se revendiquer d\u2019une \u00e9cole ou d\u2019une autre. Ainsi Guido Reni s\u2019est rattach\u00e9 \u00e0 l\u2019\u00e9cole de Carracci et a cherch\u00e9 \u00e0 rivaliser avec les oeuvres du maitre Rapha\u00ebl. Si son jugement l\u2019avait port\u00e9 vers Caravage, il aurait sans doute tout aussi bien adopt\u00e9 ce style oppos\u00e9. L\u2019esprit des peintres comme Guido Reni \u00e9tait alors empli de ces questions th\u00e9oriques : l\u2019art \u00e9tait arriv\u00e9 \u00e0 un point ou les artistes \u00e9taient forc\u00e9ment conscients du choix qui s\u2019offrait \u00e0 eux entre plusieurs m\u00e9thodes. Ainsi Guido Reni, Carracci et leurs disciples codifi\u00e8rent l\u2019art d\u2019id\u00e9aliser, d\u2019embellir la nature en s\u2019appuyant sur les canons de la sculpture antique : c\u2019est l\u2019art n\u00e9oclassique, ou acad\u00e9mique, l\u2019opposant \u00e0 l\u2019art classique qui lui ne fut pas con\u00e7u par la vertu de r\u00e8gles imp\u00e9ratives. Le plus grand maitre de ce mouvement fut Nicolas Poussin (1594-1665) qui repr\u00e9senta la beaut\u00e9 antique toute de dignit\u00e9 et d\u2019innocence. Ainsi des paysages nostalgiques de Claude Lorrain (1600-1682) repr\u00e9sentant la campagne romaine et sa lumi\u00e8re m\u00e9diterran\u00e9enne t\u00e9moignant des vestiges grandioses de son glorieux pass\u00e9. Dans sa composition, Lorrain ne retenait que les motifs qui lui paraissaient digne de prendre place dans ses visions ou le pass\u00e9 apparait comme en r\u00eave.\u00a0 Pierre-Paul Rubens (1577-1640) a aussi s\u00e9journ\u00e9 \u00e0 Rome, mais ne s\u2019est attach\u00e9 \u00e0 aucune \u00e9cole, appr\u00e9ciant \u00e0 la fois Carracci et Caravage ; il est rest\u00e9 un vrai flamand qui se pr\u00e9occupait moins des conceptions italiennes du canon de la beaut\u00e9 mais bien davantage de l\u2019expression par tous les moyens possibles d\u2019une \u00e9toffe ou d\u2019un corps, le plus fid\u00e8lement possible \u00e0 ce qu\u2019il voyait. Rubens apporta toutefois d\u2019Italie le gout des grandes toiles quand ses pr\u00e9d\u00e9cesseurs avaient peints des tableaux de petite dimension : et ce go\u00fbt r\u00e9pondait aux ambitions des riches bourgeois et princes de son pays. Le g\u00e9nie de Rubens \u00e9tait son coup de pinceau : il avait l\u2019art quasi magique de donner la vie \u00e0 son tableau. Rubens comptait sur les ressources expressives de la touche : ses dessins sont ex\u00e9cut\u00e9s par des moyens picturaux leur donnant l\u2019illusion de la vie. Rubens connut de son vivant une exceptionnelle situation, voyageant d\u2019une cour \u00e0 l\u2019autre en grand seigneur, se voyant confier des missions diplomatiques et politiques. Son succ\u00e8s se fonda sur ce double don d\u2019inventer de grandes compositions ais\u00e9es et color\u00e9es, et de leur insuffler une vie d\u00e9bordante. Pour appr\u00e9cier l\u2019oeuvre de Rubens, il faut comprendre qu\u2019il n\u2019avait que faire des formes id\u00e9ales et de la beaut\u00e9 antique, ses personnages sont des \u00eatres vivants tels qu\u2019il les voyait et tels qu\u2019il les aimait. Sa notori\u00e9t\u00e9 attira pr\u00e8s de lui de nombreux artistes, dont Van Dyck qui peignit magnifiquement la soci\u00e9t\u00e9 aristocratique. Accabl\u00e9s de demandes de portraits, ils dessinaient une esquisse, laissaient leurs collaborateurs peindre en taille r\u00e9elle, puis retouchaient et donnaient de la vie au tableau en quelques coup de pinceaux magiques. Diego Velasquez (1599-1660), l\u2019un des plus grands peintres espagnols, avait lui assimil\u00e9 la doctrine naturaliste de Caravage qu\u2019il admirait, et mettait son art au service d\u2019une observation de la nature libre de tout pr\u00e9jug\u00e9, de toute vision conventionnelle. Velasquez peignit essentiellement des portraits du roi d\u2019Espagne Philippe IV et des membres de la famille royale. La beaut\u00e9 et la v\u00e9racit\u00e9 des oeuvres de Velasquez reposent sur l\u2019effet de la touche et l\u2019harmonie d\u00e9licate des couleurs. Il faut voir le portrait du Pape Innocent X au palais Doria Pamphili de Rome pour comprendre. En quelques touches, il arrive \u00e0 faire paraitre des mati\u00e8res avec un d\u00e9tail et un aspect incomparable. C\u2019est pour des effets de cet ordre que les peintres impressionnistes admiraient Velasquez plus que tout autre maitre ancien.\u00a0 Voir et observer la nature d\u2019un regard neuf, se plaire \u00e0 y d\u00e9couvrir sans cesse de nouvelles harmonies de couleur et de lumi\u00e8re \u00e9taient d\u00e9sormais la t\u00e2che essentielle du peintre. 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